對於商業和藝術而言，這已經是令人頭疼的幾週了。雖然革命正在進行中，但是我們也陷入了混亂中。

NFT不是尖端的數字藝術

一些人說非替代性令牌（NFT）是買方獨家擁有的數碼藝術作品，它可以追溯到2012年的有色硬幣，或者是2017年的CryptoPunks，並且這個領域也在前幾天暴漲。但是數字藝術（DA）本身的血統比較古老。早在1857年，法國人朱爾斯·安托萬·裡薩茹（Jules Antoine Lissajous，1822-1880年）便用相機捕捉了由聲音產生的線條，從而發布了數學設計的“Lissajous Figures”的圖像。這些數字是美國人納撒尼爾·鮑迪奇（Nathaniel Bowditch，1773年-1838年）早在42年前就確定的，只是鮑迪奇沒有將它們渲染為圖片。

第一個藝術片段被認為是電腦製成的，因為“數字化”是1950年由Ç動態數值科學家Ben Laposky發明的（1914至2000年）。他稱這些作品為“ Oscillons”或“ Electrical Compositions”。他們是複雜類型的“Lissajous”圖像。 1953年，他在愛荷華州切羅基（Cherokee）的作品展覽中將其稱為“電子抽象”。

Laposky激發了其他數字藝術家的靈感，於1965年在斯圖加特製作了該媒體的第一場大型展覽，並由弗里德·納克（Frieder Nake， 1938年生）擔任主演，並於三年後在倫敦當代藝術學院舉辦了首個名為“控制論的偶然性” 的博物館展覽。

數字藝術（DA）對幾何抽象的強調背負著世界對波洛克的興奮和抽象表現主義的氾濫，攪亂了當時的文化水域。數字藝術（DA）設計的光學遊戲性和簡潔的渲染效果也為1960年代早期的Op Art提供了動力。

數字藝術（DA）所具有的清晰的線性度、幾何形狀以及按數字分類的特點一直延續到今天。目前主要的數字藝術收藏作品存放在惠特尼、現代藝術博物館、沃克藝術中心以及藝術界的其他巨頭中； 從蘇黎世的MuDa，到東京的森裡數字藝術博物館，再到洛杉磯的數字藝術中心，已經有十幾個致力於數字藝術收藏的博物館了。

NFT圖片：方便觀看，但不適合博物館使用

Beeple（在beeple-crap.com上的Mike Winkelmann –創造了6,900萬美元的Everydays的人）說，我們正在目睹“藝術史的下一章”。

藝術史新的章節將由藝術家製作新的藝術。但這是藝術家（及其倡導者）撰寫的一章，他們提出了新穎的財務舉措。

這是金融歷史上的新篇章。

的確，達明安·赫斯特（Damien Hirst）和其他人將財務行為視為美學行為。藝術家已經將空氣，糞便和隱形性作為概念上的進步進行了出售，但這並不是本月發生的事情。當這種藝術被附加到NFT和密碼來出售時，它就不是作為藝術表演來展示的。因為即使他們在利用新的市場流動性，但並沒有新的美學概念在影響這一行動。

在撰寫本文時，進入以太坊的NFT集合中的絕大多數圖像更像是1950年代的平裝封面，而不是已經遷移到博物館的多年數字藝術作品。

儘管這些NFT的主要靈感來自於動漫，計算機遊戲和漫畫，但這種NFT肯定會在文化參考領域中持續數十年，而且我要承認，這裡存在著藝術史上的發展，但我並不認為這是Beeple所想到的。

自1962年安迪·沃霍爾（Andy Warhol）的第一場藝術展覽以來，經過了漫長而血腥的D-Day，才使大量媚俗和高級藝術碎片化重組。我們可以將圖盧茲·勞特雷克（1864 -1901），斯圖爾特·戴維斯（1892 -1964）和安迪（1928 -1987）當作首當其衝的人，但是在當今破碎的土地上製造炸彈的人肯定是布萊恩唐納利（生於1974年），憑藉漫畫人物KAWS而廣為人知。

的確，這可能是低俗品味的噴發（正如人們所說的KAW和Warhol的出現一樣），但我認為情況並非如此。因為他們習慣了Neuromancer（風格的圖像），並且正在購買自己喜歡的東西。

這不是藝術革命，這只是一些令人欣喜的新項目的出現。

作者：Eric Shaw

作者：Eric Shaw